ソロが長くなると、何小節目をやってるのかわからなくなったりしますよね。
僕も長い間そうでした。
今回はドラムソロをメインに解説していますが、これは他の楽器でも
共通するポイントかと思います。
エリアで考えるというのが大事です。
サビになったらバイテンにいこう！とか
サビを抜けたら通常の８分音符に移行しようとか
向かう先をある程度決めてプランを建てていくのが大事です。
そうすることによって
共演者や聴き手にも、意図を伝えやすくなります。
上級者になってくると、この境界線をあえてずらすということをするのですが、
まずは最初にこのやり方で、エリアを把握するのがとても大事です。
これを意識して練習するだけで
どこをやってるか迷子になる、、、
というのは格段に減ると思います。
是非トライしてみてください！
ドラムソロ特典
スウィングするというのは
一緒に演奏していて躍動感があって
スピード感があって、演奏しやすい状態をいいます。
でも、これって何かひとつだけで上手くいってるわけではなくて
色々な要素が合わさってスウィングしてると思います。
1.スウィングする音色
2.バックビートの位置
3.イレギュラーな事をした時にスウィングしなくなる
4.アドリブ奏者の演奏に対して何をするか？
5.イーブンなリズムでも位置によってスウィングするポイントがある
という内容でまとめてみました。
一つづつ解説します。
スウィングするとかグルーブするっていうのは
リズムのパルスが一定であると感じます。
で、僕的にもう一つ大事だと思っているのは
音色でつながっているか？という事です。
ひとつ目の音を発音した時点で、次の音がどの辺にくるのか予測つく音色で演奏しているか？
という事です。
これはベイシーの紹介ビデオで話していたのを聴いて理解したというか
『ベイシーはたった一音でもスウィングした」と言っていたんですよ。
若かった黒田和良は、ビートのパルスは２つないと成立しないからこれは嘘だ！と言っていましたが、、、
浅はかだよ、若年【黒田】君
音の曲線があれば可能だよ！といってあげたい！
そんな感じが伝わるように演奏しわけてみました！
バックビートというのはドラムでいう所のハイハットにあたります。
これがシンバルと同じタイミングだと、きっちりしてるけど遊びがない、、
拍が狭い！と言われるビートになります。
エルヴィンジョーンズなんかはこれが異常に深い！
フロント奏者がゆったーり歌っても気持ち良いビートになります。
そんなのがわかる様に叩き分けてみました。
これ、ドラムだけに限らずフロント奏者の速弾き速吹き？の時にもおこります。
自分がいっぱいいっぱいだと、そこにスウィングさせる余裕がない
しっかり拍の曲線を感じて音をださないとこうなってしまいます。
スウィングするというリズムの意味ではないですが
演奏内容として、相手が話ている時に音を埋めまくるのも
スウィングしない原因のひとつになります。
音はたくさんなくても、相手のフレーズの方向性に
音をたしてあげるだけで、躍動する形になっていくかと思います。
そんな演奏をわけてやってみました。
トニーウィリアムスが
[My Funny Valentine]のAll of you で急にボサをのっけて演奏しています。
こんな感じでの演奏で気を付けるべきことはリズムの表拍であわせるのではなく
裏拍の方を合わせるのが大事です。
演奏しわけしてみました。
などなど
僕の感じることをまとめてみました。
何か他に思い当たることあったら教えてください。
スタックシンバルって聞いた事ありますか？
マイネルのものが有名なのですが
大きさの違うシンバル重ね合わせてハンドクラップ（手拍子）みたいな音がなります。
これ、電子ドラムでよくきくけどアコースティックででると感動しますね！
質問コーナーで
音屋さんから、スプラッシュシンバルってどうやって使うのですか？
という質問がありました
こういう小さい口径のシンバルなんですが
パシャっていう音がします。
スプラッシュマウンテンっていいますし
液体が飛び散るイメージがスプラッシュですからそういう音です。
スプラッシュシンバルの使い方が分かりません。
エフェクトとして効果的に使うと良いのでしょうが、
どこでどう使うのが良いのか全然分かりません。
昔、他メンバーに聞かれて、
『場面を変える時に使ったりするね〜』
と知ったかぶりしてしまいました。
という質問でした
分からないけど場面を変える時に使うって
知ったかしてるけど、教えてください！っていうのが
超可愛くて好きです。
僕も知ったかする時は棒読みになりますね(笑)
スプラッシュはデイヴウェッケルがよく使っていてコピーしましたけど
１６分音符の裏拍に入れるとかっこいいんだなーって思いました。
スプラッシュはバスドラが一緒じゃなくても
綺麗につかえるのは結構な特徴です！
まとめると
スプラッシュ
スタック
という感じですね！
歌伴奏の時は色々小物もっていきます。
ジャズバンド！って時はあまり使わずに普通のドラムだけで勝負します。
でも打楽器の小物って
本当楽しくって色々もちたくなるんですよね。
楽器店いくと、ずっと色々叩きたくなりますね。
スタックシンバルほしくなっちゃった、、、
質問フォームで、ケルビンさんからこんなものをいただきました
私はドラムの役割は、リズムキープと、背景を作って状況を変化させることだと思うのですが、黒田先生はどう思われますか。
グルーブするはもちろん大事ですよね。
あと、背景を作るという発想はうまいですね。
８ビートならシンバルを変えて演奏するとか
同じビートだけど見える情景が変わる感じがして
曲を演奏する部分にとても役に立つと思います。
実は質問には後半がありまして
ソロを展開している相手を聞くことは大切ですが、それに合わせるために聴きすぎてもダメで、タイムキープをしながら「中心を合わせる（森山武男さんが昔言っていました）ことが大事で、
聞きすぎてテンポが変わってしまうことおおいんですよね。
これも問題があります。
でも、これは先日のスウィングのやり方特集でやったように
拍に対する幅を理解すればかなり解消されます。
あんまり合わせすぎないという手法もよくとります。
後トニーウイリアム素みたいに状況を変える（バーと出たり、引いたり、何も叩かなかったりして雰囲気を変える）ことだと思います。先生はどう思われますか。
動画では後半を歌うというのを中心に説明していますが
ドラムが何かしかける！というのも大事ですね。
僕は浜崎航くんに
「寄り添い型」といわれますが
自分から攻撃はあんまりしないです。
大坂昌彦大先生はそこが引き出しをめちゃくちゃもってて
天才的にうまいです。
ただ、やりすぎると、ドラムばっかりが話てる感じになりかねなくは、あります。
なんでもバランスですね！
ドラムの良い例と残念例をギターのソロの立場から聞くと
大事なことがわかるかと
他の楽器の人もドラムにリクエストする時に何が大事かわかるかと思います！
ジャズって何から聴いたらいいですか？
ってよく言われます。
ジャズと一口にいってもジャンルとして何十もあって
全部サウンド感が違います。
ジャズっていうと全世界どこでもまず思い浮かぶのが
ベニーグッドマンのシングシングシングである事が多いです。
僕も小学校の時に運動会でめちゃかかっていてメロディ覚えました！
でも、ジャズクラブにいくとこの曲が演奏される事はほとんどないのです。
スウィングジャズ時代にカンザスシティから
チャーリー・パーカーという天才が出没します。
彼がもっと刺激的なアドリブをするために
どんどん方法論を確立していって
ダンスミュージックだったスウィングジャズを
観賞用に変えてしまいます。
これによって、ミュージシャンは刺激を受けてどんどん音楽が発展しますが
お客さんはおいてけぼりに、、、
ジャズの反比例の法則といって
音楽のコード（ハーモニー）の数とお客さんの数は反比例します！ww
どんどんジャズからお客離れしていく風潮の中で
アートブレイキーやマイルスデイヴィスが
ハードバップといって
アドリブの要素だけでなくて、アンサンブルのアレンジをしっかり施して
ショーとして面白くなるようなムーブメントをつくりました。
そのご１９６０年くらいに
モードジャズ
フリージャズ
と、あらたな手法ができて
１９７０年には
クロスオーバーとか
フュージョンと言われるような音楽が誕生します。
１９８０年に
ウィントンマルサリスが
アコースティックジャズの回帰を試みて
その後現代ジャズにつながっていきます。
系譜をたどっていくと
こんな感じのジャズないかなー？が
うまく見つけ出せるようになります
なので、歴史を追ってどんなサウンド感か聴き比べると
あなたもジャズソムリエになれるかも！！
コミュ障ミュージシャンのコミュ障脱却奮闘チャンネル
言葉って伝えるのに
最後の一言をちょっと変えただけで
相手が話しやすくなったり
全く違う伝わり方をしますよね！
ジャズのアドリブも同じ部分が多々あります。
今回は最後の音の位置を８分音符一個ずらすだけで
ドラムも合いの手が入れやすくなるし
次のフレーズが膨らんでくるよね！
でも、アドリブの最後につかうなら、このままでもいいよね
といった指導をしています
オンラインでのアドリブ講座での
使い勝手の良い部分を抜粋しました！
ほんの少し気を遣うだけで、アドリブのつながりが変わっていきます。
上手な人がものすごく大きな組み立てができるのも
こういう細かい作業の積み重ねなんだと思います。
このずらし方は、手前にずらすのもありですね！
ドラムソロにも応用できます！
大学の集中講義では
今年はジャズの歴史に沿って
スタイルの変化と音づかいによって時代性を感じさせることができる
というレッスンをしました。
演奏をする時に自分のインスピレーションだけで演奏すると
うまくいかない場合があります。
その楽曲の醸し出す時代感とか
雰囲気というのがあった上での演奏の方が
世界観が作りやすいからです。
これはある意味、カードゲームでのお題のようなイメージでとらえています。
そのカードゲームの内容によって
駆け引きのやり方やルールが変わるからです。
このゲームでは２が一番強いけど
こちらのゲームではAが一番つよいなどがありますし
でも、ジョーカーはどのゲームでも切り札として使えるカード
というルールもあったりします。
古い時代のジャズではあまりテンションを使わない方が
その時代の雰囲気がでます。
その上で、アドリブの後半はテンションを効かせたフレーズにもっていけば効果的ですが
全体を通して同じつかい方にしてしまうと
景色がかわらず、時代性もチグハグになり
もったいない演奏になってしまいます。
３日間の講義でしたが
最終日はハードバップとモードの演奏内容に特化したものにしました。
その際に
コーラスが繰り返される構成の中で
どこにどのカードを置いていくのか？
という説明にしました。
ただ、曲を演奏するのではなく
ヘッドアレンジという
口頭で伝えて軽く構成アレンジをしておいたり、
演奏の途中でおもいついたアレンジをして
曲の進行を面白くするという説明もしました。
すると、途中でバックコーラスをやってくれたのですが
その位置について、もっと効果的なやり方というのも解説しました。
ジャズは、コードの流れで使えるフレーズ（小さいカード）
のようなものから
構成に沿って、ここで意識的にこういうソロをすることによって
その後に大きなイベントが起こることが予測できるようなカードがあります。
そういうカードの出し合いの駆け引きをやっていきます。
それは現場で覚えたり、ライブアルバムを聴いて仕入れたりします。
あとは、バンドのリハーサルでそういった思惑を試すということをよくやりました。
最初は意図的に解決場所を示して、予定調和で演奏するのですが
本番ではそれをあれこれイジって
もっと面白く！という試行錯誤をします。
こういうカードをたくさんもっていると演奏は楽しくなるので
プロミュージシャンは
まるでトレーディングカードを集めるように
コピーしたりして集めています。
もちろんアンサンブルでは
手持ちカードの少ない人には
わかりやすいカードを使って提示していって
難しいカードは使わないという事をしますが
上級者との演奏ではこういったカードを
あちこちで出し合って駆け引きをします。
そうすると今までになかった使い方を覚えたり
新しいカードを入手したりと
そこが一番ジャズの面白いところだと思っています。
もちろん音づかいの面白さもありますが
バンドの舵取りの面白さを覚えると
メンバー全員の力が同じ方向に向かうので
爆発的な演奏になったりします。
何年もジャムセッションで演奏しているのに
プロの演奏のような高揚感が得られないのは
こういう思考をしていないからだと思います。
名盤にはこういうカードがあちこちにあって
まるで宝箱のようなものです。
そういう意味で聴くと、演奏も楽になるし
楽しさがかわると思います。
ただ、バンドメンバー全員が共有していないと
使えないカードがあるので
そういう練習がないと難しかったりしますが。
そういう解説のあと演奏がこんなに激変する
という内容の動画になっています。
是非ご覧くださいね！
ぽん太郎さんからの質問で
「媚びる演奏というのと、自由というのは何がちがうのですか？」
というのがありました。
かくいう僕も昔ギターの共演者に
「僕にそんなにあわせてくれなくても、もっと自由にやっていいですよ」
といわれました。
その時は、何をどう指摘されているのかわからなかったんですが
先日読んだ本で、なるほど！という言語化がありました。
媚びるというのは、一見相手をおもいやっているようで
「嫌われたくない、自分の居場所が欲しい！」という
相手をみてるのではなく、自分の事しか考えていない行為。
だから相手がそれを感じとって不快になる。
とてもよくわかります。
結局
自分本位で自分勝手な人と同じなんですよね。
僕は幼少の頃に大人に囲まれて育ったので
幼稚園に入った時に同じ年の子供との接し方がうまくできませんでした。
最初は自分勝手な行動をして、嫌われ
今度は居場所を確保するために右往左往して
余計に虐められるというパターンに陥っていました。
人間関係って難しいですよね。
でも、人間関係が一番面白いし、
それがない人生はとても無味乾燥なものになるとおもいます。
バランス感覚というのが大事です！
これは音楽もそうです！
ただ少し注意点があって
言葉の相槌は、相手の隙間を埋めていきます。
でもジャズでは隙間を埋めるのが伴奏なのではなく、
お互いが自立して、他の人の進行方向を気にしながら
自分の動きを決めていく
というのが本質です。
このバランス感覚が難しいのですが、
これをドラムで
1.媚びた演奏
2.自分勝手な演奏
3.バランスの取れた演奏
というのを叩き分けてみました。
アドリブやコンピングの練習というのは
どうしても小さい範囲で考えがちですが
最初はそれでいいとしても
点から線になっていかなくては、あるところで上達が止まってしまいます。
セッションにいくと、コード進行と自分のアドリブ
そこばかり考えていると
プロの演奏する大きな山のような演奏にいつまで経っても辿り着きません。
これって、駆け引きなんですよね
自分が何したいかをアウトプットしながら
キャッチしていく。
これ、最近アンサンブルのレッスンで
トレーディングカードゲームのように
カードの出し方という形で説明しているのですが
そうすると、インプットの仕方なども随分変わります。
またそんな動画も作っていきたいと思っていますのでご期待ください！
僕がジャズに興味を持ったのは
受験生の頃でした
春にラグビー部を引退して
ドラムを始めて
知り合いのドラマーの人が、愛知学院行くなら
有名なジャズのサークルがあるよ！って
Singing All Stars というジャズビッグバンドサークルで
やっぱりドラムをうまくなりたかったらジャズをやるべきでしょ！
と言われ
その人は練習パットでドラムロールを綺麗にやってみせてくれました。
その頃の僕にはドラムロールなんて手品やってるみたいでした。
どーやったらそんな速く
ドロロロロロロローーー
って叩けるんだ？
「２つづつ打つから速くなるんだよ」
「いや、むしろ遅くなるんすけど、、、、」
みたいな状態でしたから
ジャズってすげーーーっていうイメージで
早速名盤と言われる
「Moanin’」のCDを借りてかえりました。
正直
「サウンドふっる、、、、」が感想でした
いや、いまでこそこのアルバムがお店でかかったりしたら
心が躍るのに、、、なんでだろうか？
フュージョンの透明なサウンド感が大好きだったのもあるかと思います。
ジャズってよくも悪くも人間ぽい所がルーツですよね。
ブレイキーなんて、ブルーノート使いまくりの
特に臭い部分がいっぱいつまっているからかな、、、
それから大学に入って
やっぱり気になったからジャズ研にはいるのですが
「ジャズは臭くてあんまりすきじゃないけど
ドラムずっと開いてるから練習できるし」
という理由で入部したのがきっかけです。
でもジャズで好きになったアルバムがあるんですよ
カウントベイシービッグバンド
「アトミック・ベイシー」でした
もうスウィングしまくって
キメがいっぱいあって
ワクワクしっぱなしでずっと聴いてました
そんなわけでビッグバンドジャズにはまって
練習していたわけでしたが
そうなるとコンボをやるといわれるのが
「いいんだけど、、、ビッグバンドぽいんだよね」
ってやつです
その時は
「どーゆーこっちゃねん！」なんて思ってましたけど
今みると確かに！
ってなります
そんな違いをつくってみましたが
生じゃないと違いちっさめですね、、、
生だと笑っちゃうくらい違います
解説もいれたので、是非みてくださいね！
スウィングとは何？という配信の際に
アンケートをとった所
色々な質問をいただきました！
あまりにも沢山あったので、
今回は「ジャズとロックの違い」というテーマに近いものから
以下の形で２０個の質問に答えました！
タイム感の違い
習得方法
スウィング感
自由度
ジャズの歌い方
ビッグバンドとコンボ
アドリブの壁
休符の取り方
テンポ感
どこを演奏しているかわからなくなる
ロック＝予定調和的な内容から派生してるという意味で考えてピックアップしたため
あまりロックとの違いというイメージとは違うかもしれませんが
是非最後までご覧ください！
